A praxis that is revitalized
In general we can say that in the Cuban ceramic of recent decades a number of changes have been introduced in the formal conception of the proposals. There is therefore a redefinition of ceramic art given the characteristics of object propositions of their main exponents. This new concept can be seen in freedom that the creator has to do everything he considers appropriate to promote certain reflections: as an example, it could be mentioned incorporating extra-ceramic elements and industrial materials that share the stage with those of this discipline; and the ambiguity of the messages that allow varied readings.The grotesque acts as demystifying element in the work of some authors. We might mention, in this case, the series Comilones(2000) by Osmany Betancourt, a version of Las chismosas (1995) by Martha Jimenez, the deformed and aggressive sexual organs produced by Darlyn Delgado in En boca cerrada… mirada cómplice (2006) and already since the initial parts by Sanchez that openly show a denial of the formalistic sublime reaching its peak in the eschatological forms that become the latest of her work in ceramics. So visuality that in many cases is enhanced in the works depends on the possible interpretations that are intended to suggest.
It is also perceived the ephemeral nature of some of the installative works made by artists, both established and new, as installation is one of the leading discursive modalities in this new millennium. We are witnessing undoubtedly an art object, rather than a distinct ceramics. In this respect it highlights proposals such as Tsunami (2010) by Humberto Díaz, Lo más inquietante (2001) by Sergio Raffo, the exhibition Sentido (2004) by Lisbet M. Fernandez and Epojé by Teresa Sánchez, just to cite some examples.With respect to the meanings, it is noted that the speeches are focused on human problems, one of the meanings of greater generality of postmodernist art, and the ways to say of some artists become more acute. Precisely in relation to human problems, it is valid to mention that the addressed issues have been, mostly, extremely sensitive, committed to social issues and even today are worrisome not only for Cuba, but -in some cases, are extended to other contexts.The migration has been treated by various artists from different perspectives. Angel Rogelio Oliva approaches it from the standpoint of family breakdown and all that that implies. This creator, in a work like El pan nuestro de cada día (1991) was interested in another worrying issue: the partitioning of the world by the imperialist powers, with particular emphasis on the consequences of such negative events affecting humans.
Reflections on macro-social issues and of universal nature that is exceedingly highly topical as isolation, commodification, consumerism, lack of democracy that do not escape to discipline. As an expression of discontent and a frontal criticism to false unanimity, it prevails then referring to the part belonging to the series Reflejos titled Relatividad del concepto unánime (2004) by Angel Rogelio Oliva Lloret, as the focus of the work revolves around this word and its relative application.
Meanwhile, Lisbet´s children in the exhibition Doble blanco (2006) return to star in this communicational fracture of the 21st century that is according to many the “age of communication”. Also through her peculiar infants she achieved venture into the main consequences that excessive consumerism of capitalism can generate -exemplified in the relationship between car tires almost touching the heads of the children- in Agáchate, agáchate (2006) with which she may pose that technological and reified world can destroy the most sensitive man.
The contemporary ceramic discourse includes approaches of feminist nature, prostitution, worked for several artists, but presented by Martha in such a raw way in For sale (1998), from that black humor that arises in some of her performances. Also sexuality has occupied an important place, in respect of the latter; it cannot be ignored representations of the sexual organs produced by Darlyn through which she aims to delve into sexual behavior and its impact on the social environment, always from an unprejudiced look.
Since that expressiveness and formal aggressiveness that characterize them, Osmany Betancourt and Teresa Sánchez show themselves also concerned about the individual and its main afflictions with remarkable depth in the meanings and thematic they work. The oppression of man, his physical and psychological burden, and his enclosure are already evident in the initial parts of these creators. Since the called compressed by Betancourt we are facing what could be considered a claustrophobic aesthetics. El viaje, Avestruz -in the early years of the decade of the nineties- by Teresa are no less impressive, just to mention two examples. Those are proposals that can be understood from the personal to the collective nature.
The first one, attached to figuration of expressionist roots, has arrived at his own poetic. The exhibition La comparsa (2006) could well sum up the versatility that characterizes his work in this last period. He proposed us precisely a parade of objects as diverse as the clotheslines full of hanging artefacts such as tanks, suffering faces; men and women in encouraging or resignation attitudes, an intervened toilet, taken to the gallery as authentic artistic work, in this irreverent action, among other elements. So we can say that the despair and frustration of the human being are not alien to his work in ceramics both in small, medium, large format pieces and even in installations.
Meanwhile, Sánchez, equally versatile, and in her own words “trying to avoid typecasting” has managed to articulate a solid speech that results in works with a strong neo-expressionist language that can classify as “grotesque alarmism” but also figurative or partially abstract. Of course, her proposal of excrement to insinuate absolute dehumanization and loss of values of modern society is really unusual. The terms that identify some of her creations are complex – perhaps to strangers- which expands their understanding.In short it is valid to say that with this approach, it gets demonstrated that the manifestation and many of those who find in it an ideal means to express their main ideo-aesthetics concerns highlighted in their works the changes occurred. It is evident then that there is an acuity and complexity in respect to the solution of the proposals and the topics covered. This is reflected in the grotesque nature of some representations, the incorporation of extra-ceramic elements and re-contextualization, the rise of installation, which together with many other elements, hamper the interpretive possibilities, creates new and conflicting readings and enrich this praxis that, without a doubt, is at the height of the rest of the expressions of Cuban contemporary art.
A praxis that is revitalized
In general we can say that in the Cuban ceramic of recent decades a number of changes have been introduced in the formal conception of the proposals. There is therefore a redefinition of ceramic art given the characteristics of object propositions of their main exponents. This new concept can be seen in freedom that the creator has to do everything he considers appropriate to promote certain reflections: as an example, it could be mentioned incorporating extra-ceramic elements and industrial materials that share the stage with those of this discipline; and the ambiguity of the messages that allow varied readings.The grotesque acts as demystifying element in the work of some authors. We might mention, in this case, the series Comilones(2000) by Osmany Betancourt, a version of Las chismosas (1995) by Martha Jimenez, the deformed and aggressive sexual organs produced by Darlyn Delgado in En boca cerrada… mirada cómplice (2006) and already since the initial parts by Sanchez that openly show a denial of the formalistic sublime reaching its peak in the eschatological forms that become the latest of her work in ceramics. So visuality that in many cases is enhanced in the works depends on the possible interpretations that are intended to suggest.It is also perceived the ephemeral nature of some of the installative works made by artists, both established and new, as installation is one of the leading discursive modalities in this new millennium. We are witnessing undoubtedly an art object, rather than a distinct ceramics. In this respect it highlights proposals such as Tsunami (2010) by Humberto Díaz, Lo más inquietante (2001) by Sergio Raffo, the exhibition Sentido (2004) by Lisbet M. Fernandez and Epojé by Teresa Sánchez, just to cite some examples.With respect to the meanings, it is noted that the speeches are focused on human problems, one of the meanings of greater generality of postmodernist art, and the ways to say of some artists become more acute. Precisely in relation to human problems, it is valid to mention that the addressed issues have been, mostly, extremely sensitive, committed to social issues and even today are worrisome not only for Cuba, but -in some cases, are extended to other contexts.The migration has been treated by various artists from different perspectives. Angel Rogelio Oliva approaches it from the standpoint of family breakdown and all that that implies. This creator, in a work like El pan nuestro de cada día (1991) was interested in another worrying issue: the partitioning of the world by the imperialist powers, with particular emphasis on the consequences of such negative events affecting humans.
Reflections on macro-social issues and of universal nature that is exceedingly highly topical as isolation, commodification, consumerism, lack of democracy that do not escape to discipline. As an expression of discontent and a frontal criticism to false unanimity, it prevails then referring to the part belonging to the series Reflejos titled Relatividad del concepto unánime (2004) by Angel Rogelio Oliva Lloret, as the focus of the work revolves around this word and its relative application.
Meanwhile, Lisbet´s children in the exhibition Doble blanco (2006) return to star in this communicational fracture of the 21st century that is according to many the “age of communication”. Also through her peculiar infants she achieved venture into the main consequences that excessive consumerism of capitalism can generate -exemplified in the relationship between car tires almost touching the heads of the children- in Agáchate, agáchate (2006) with which she may pose that technological and reified world can destroy the most sensitive man.
The contemporary ceramic discourse includes approaches of feminist nature, prostitution, worked for several artists, but presented by Martha in such a raw way in For sale (1998), from that black humor that arises in some of her performances. Also sexuality has occupied an important place, in respect of the latter; it cannot be ignored representations of the sexual organs produced by Darlyn through which she aims to delve into sexual behavior and its impact on the social environment, always from an unprejudiced look.
Since that expressiveness and formal aggressiveness that characterize them, Osmany Betancourt and Teresa Sánchez show themselves also concerned about the individual and its main afflictions with remarkable depth in the meanings and thematic they work. The oppression of man, his physical and psychological burden, and his enclosure are already evident in the initial parts of these creators. Since the called compressed by Betancourt we are facing what could be considered a claustrophobic aesthetics. El viaje, Avestruz -in the early years of the decade of the nineties- by Teresa are no less impressive, just to mention two examples. Those are proposals that can be understood from the personal to the collective nature.
The first one, attached to figuration of expressionist roots, has arrived at his own poetic. The exhibition La comparsa (2006) could well sum up the versatility that characterizes his work in this last period. He proposed us precisely a parade of objects as diverse as the clotheslines full of hanging artefacts such as tanks, suffering faces; men and women in encouraging or resignation attitudes, an intervened toilet, taken to the gallery as authentic artistic work, in this irreverent action, among other elements. So we can say that the despair and frustration of the human being are not alien to his work in ceramics both in small, medium, large format pieces and even in installations.
Meanwhile, Sánchez, equally versatile, and in her own words “trying to avoid typecasting” has managed to articulate a solid speech that results in works with a strong neo-expressionist language that can classify as “grotesque alarmism” but also figurative or partially abstract. Of course, her proposal of excrement to insinuate absolute dehumanization and loss of values of modern society is really unusual. The terms that identify some of her creations are complex – perhaps to strangers- which expands their understanding.In short it is valid to say that with this approach, it gets demonstrated that the manifestation and many of those who find in it an ideal means to express their main ideo-aesthetics concerns highlighted in their works the changes occurred. It is evident then that there is an acuity and complexity in respect to the solution of the proposals and the topics covered. This is reflected in the grotesque nature of some representations, the incorporation of extra-ceramic elements and re-contextualization, the rise of installation, which together with many other elements, hamper the interpretive possibilities, creates new and conflicting readings and enrich this praxis that, without a doubt, is at the height of the rest of the expressions of Cuban contemporary art.
Agitando el espíritu: Aisar y sus cerámicas
El artista cubano Áisar Jalil Martínez, quien tiene a su haber un número
importante de exposiciones y ha logrado dentro de nuestra plástica crear
un sello propio en lo que a la pintura se refiere, también se ha motivado
por el comúnmente llamado “arte del barro”. Da fe de ello su reciente
muestra inaugurada el 19 de septiembre de este 2014 con sede en el
Museo Nacional de la Cerámica Contemporánea Cubana. En esta ocasión
es válido destacar que sus propuestas dan continuidad a la línea
de pensamiento que ha mantenido esta institución a lo largo de sus casi
veinticinco años de existencia.
Como bien se ha dicho en varias ocasiones, el principal interés del museo ha sido dar cabida a la obra de aquellos creadores que desde sus respectivos lenguajes y poéticas puedan aportar al movimiento cerámico nacional. En este caso Áisar, al igual que hicieran los iniciadores de este quehacer en los años cincuenta del pasado siglo, ha hallado en la superficie de sus jarras, platos, botellas y el resto de las vasijas que conforman la muestra, un espacio idóneo para recrear aquellos personajes que han sido tan reiterados y caros a su hacer. Por lo general las exposiciones constituyen un reto para el artista, sobre todo, cuando ha de realizar en tiempo récord gran cantidad de piezas; Eros reafirma sobremanera este comentario, especialmente porque fue la primera vez que Áisar indagaba en este soporte y se adentraba en el conocimiento de esta disciplina, de manera que tuvo que realizar un esfuerzo mayor en pos de ponerse al tanto de los procedimientos técnicos que esta praxis requiere. Pero afortunadamente contó, según ha expresado, con el apoyo de Grisel Rivera, una creadora que no solo ofreció su taller propio, sino que supo incentivar y guiar el trabajo del pintor.
Como resultado final encontramos en el museo un grupo de recipientes –algunos ya existentes, o sea, no hechos por el artista– decorados con los característicos mutantes que identifican su obra, resueltos con una pincelada a manera de mancha negra; este color es el protagónico en casi todas las composiciones. Además, se valió de varias técnicas para generar una diversidad visual: decoración bajo y sobre cubierta, esgrafiado. Nos hace recordar el artista esas ánforas griegas que recreaban no solo la cotidianidad de esa cultura en cuanto a labores domésticas, sino también la vida íntima y el deseo carnal de los personajes representados. Pero Áisar es mucho más atrevido que los griegos, pues repara en esos extraños seres que se nos presentan en posiciones provocadoras, totalmente desinhibidos y que están en busca, de manera desenfrenada, del placer sexual bajo cualquier condición. Hace así del erotismo el centro de esta muestra. Cabe añadir que se trata de una museografía sencilla pero pertinente, ya que dado el pequeño espacio que ocupa el área de exposiciones transitorias se optó por el empleo de unas estructuras de hierro que conforman en su integración un círculo –justo en el centro de este recinto– y que permitieron que fueran exhibidas mayor cantidad de piezas.
En consecuencia con lo anterior, los objetos tridimensionales que encima se disponen pueden ser perfectamente observados por los visitantes una vez que se desplazan alrededor de esta estructura. A pared fueron colocados platos que recrean similares motivos que los del resto del conjunto y que complementan la propuesta. Para el día inaugural resultó atinado proyectar un video-arte que hiciera el creador en el 2011 y que se titula Mutaciones. Este atractivo audiovisual ilustra todo el universo surrealizante del que está plagada la mayor parte de su obra. En síntesis, es preciso decir que Eros viene a demostrar entonces que nuestra cerámica se enriquece con lenguajes diversos y que sigue siendo un medio para expresar las inquietudes ideoestéticas de talentosos creadores que, al igual que Áisar Jalil, han descubierto que con este noble material pueden crearse formas sobre las cuales dejar plasmado todo cuanto agita nuestro espíritu. /
El arte del barro en el contexto creativo cubano contemporáneo [a propósito de la XII Bienal de CerámicaComo bien se ha dicho en varias ocasiones, el principal interés del museo ha sido dar cabida a la obra de aquellos creadores que desde sus respectivos lenguajes y poéticas puedan aportar al movimiento cerámico nacional. En este caso Áisar, al igual que hicieran los iniciadores de este quehacer en los años cincuenta del pasado siglo, ha hallado en la superficie de sus jarras, platos, botellas y el resto de las vasijas que conforman la muestra, un espacio idóneo para recrear aquellos personajes que han sido tan reiterados y caros a su hacer. Por lo general las exposiciones constituyen un reto para el artista, sobre todo, cuando ha de realizar en tiempo récord gran cantidad de piezas; Eros reafirma sobremanera este comentario, especialmente porque fue la primera vez que Áisar indagaba en este soporte y se adentraba en el conocimiento de esta disciplina, de manera que tuvo que realizar un esfuerzo mayor en pos de ponerse al tanto de los procedimientos técnicos que esta praxis requiere. Pero afortunadamente contó, según ha expresado, con el apoyo de Grisel Rivera, una creadora que no solo ofreció su taller propio, sino que supo incentivar y guiar el trabajo del pintor.
Como resultado final encontramos en el museo un grupo de recipientes –algunos ya existentes, o sea, no hechos por el artista– decorados con los característicos mutantes que identifican su obra, resueltos con una pincelada a manera de mancha negra; este color es el protagónico en casi todas las composiciones. Además, se valió de varias técnicas para generar una diversidad visual: decoración bajo y sobre cubierta, esgrafiado. Nos hace recordar el artista esas ánforas griegas que recreaban no solo la cotidianidad de esa cultura en cuanto a labores domésticas, sino también la vida íntima y el deseo carnal de los personajes representados. Pero Áisar es mucho más atrevido que los griegos, pues repara en esos extraños seres que se nos presentan en posiciones provocadoras, totalmente desinhibidos y que están en busca, de manera desenfrenada, del placer sexual bajo cualquier condición. Hace así del erotismo el centro de esta muestra. Cabe añadir que se trata de una museografía sencilla pero pertinente, ya que dado el pequeño espacio que ocupa el área de exposiciones transitorias se optó por el empleo de unas estructuras de hierro que conforman en su integración un círculo –justo en el centro de este recinto– y que permitieron que fueran exhibidas mayor cantidad de piezas.
En consecuencia con lo anterior, los objetos tridimensionales que encima se disponen pueden ser perfectamente observados por los visitantes una vez que se desplazan alrededor de esta estructura. A pared fueron colocados platos que recrean similares motivos que los del resto del conjunto y que complementan la propuesta. Para el día inaugural resultó atinado proyectar un video-arte que hiciera el creador en el 2011 y que se titula Mutaciones. Este atractivo audiovisual ilustra todo el universo surrealizante del que está plagada la mayor parte de su obra. En síntesis, es preciso decir que Eros viene a demostrar entonces que nuestra cerámica se enriquece con lenguajes diversos y que sigue siendo un medio para expresar las inquietudes ideoestéticas de talentosos creadores que, al igual que Áisar Jalil, han descubierto que con este noble material pueden crearse formas sobre las cuales dejar plasmado todo cuanto agita nuestro espíritu. /
La XII Bienal de Cerámica en su modalidad de esculturas, instalaciones y proyectos se inauguró el pasado 12 de diciembre de este 2014 en el Centro Hispanoamericano de Cultura y estará abierta al público hasta el mes de febrero del próximo año. Si bien es cierto que, a juicio de su principal gestor, Alejandro G. Alonso, la entrega de propuestas previas a la cita cerámica no fue masiva como en ocasiones anteriores, sí es meritorio resaltar que los trabajos son de una incuestionable calidad. La presente edición reafirma una vez más, cuánto se ha enriquecido en los últimos años este quehacer en la Isla y en el contexto de las artes visuales cubanas contemporáneas. Aún cuando haya quienes erróneamente piensen que esta disciplina se encuentra al margen de lo que sucede en el arte cubano e internacional actual, las piezas que formaron parte de esta muestra revelan lo contrario. En primer lugar porque se advierte cómo sus exponentes ponen de relieve en sus obras inquietudes inherentes a las del resto de las manifestaciones, enjuician, critican, cuestionan y reflexionan sobre temas siempre polémicos, necesarios, importantes, al tiempo que muestran el oficio que indudablemente tienen a la hora de ensamblar, emplear varias técnicas, hacer dialogar diversos materiales.
Continúa distinguiendo a este certamen el hecho de que se conforma un jurado heterogéneo –ceramistas, críticos de arte, periodistas, curadores– que labora en diferentes instituciones culturales y educacionales del país. Esto no solo ha sido una estrategia para sumar al personal acadé- mico en las iniciativas generadas por el Museo Nacional de la Cerámica Contemporánea, sino que permite hacer juicios de mayor solidez de las obras en concurso. En esta oportunidad, los integran- tes del jurado reconocieron, primera- mente, la eficacia de las propuestas de todos los participantes.
Luego, decidieron otorgar la beca de crea- ción del Consejo Nacional de las Artes Plásticas [CNAP], uno de los premios que comprendía la convoca- toria, a Como hacer un avión de la serie Cerigami [2014] de Ioán Carra- talá Corrales. Este autor ha mostrado la madurez de su proyección dentro del hacer cerámico y puso de mani- fiesto con esta obra una nueva línea de trabajo en la que hace del minima- lismo el principal recurso. Laureada fue también Identidad [2014] de Guillermo Ramírez Malberti, que da fe de la agudeza de los discursos que hoy se tejen en las artes visuales. Una bandera de billetes, un infante saludando el símbolo patrio encima de una base de ladrillo integran esta instalación, que con los elementos necesarios trasmite un mensaje directo. En la categoría de proyecto fue seleccionado Cubo mágico [2014] de Lázaro Luperón Hernán- dez por su viabilidad y por contribuir a ambientar espacios públicos de la capital con una visualidad otra. Ante la calidad del resto de las piezas se acordó también conceder dos premios especiales: el primero fue para Contradicciones [2014] de Jorge Jacas Vivanco, quien presentó tres interesantes paneles escultóri- cos en los que combina de manera exquisita la rugosidad de una placa de hierro con los esmaltados rostros humanos –si se quiere– apresados en dicha estructura. Asimismo, el Vuelo del cerdo, de la serie Restaurantes de lujo [2014] de Dariel Lozano Pérez, resulta ingeniosa por su solu- ción formal, a la vez que hace del humor la principal estrategia discur- siva. Finalmente, no podía ignorarse la bien lograda instalación que lleva por título La torpeza [2014] de los jóvenes Javier A. González y Robin Echenique, a quienes se le otorgó el premio Opera Prima.
Es importante hacer referencia a la exposición personal de Osmany Betancourt en la planta alta del Cen- tro Hispanoamericano –a propósito de este evento–, en tanto permite revisitar momentos distintivos de su trayectoria creativa dentro de la dis- ciplina. A saber, se trata de uno de los autores que ha nutrido notable- mente al movimiento cerámico cuba- no de las últimas décadas. Las obras que integran esta muestra dan crédito de su versatilidad, el dominio técnico y la profundidad de los significados que aborda. La opresión del hombre, su carga psicológica y también física, su encerramiento quedan manifiestas en una temprana pieza, Sin título [1998] que representa sus conocidos cilindros con seres comprimidos, lo cual permite hablar de una estética claustrofóbica. De igual modo es preci- so señalar dos obras pertenecientes a su serie Sargento. Lo grotesco funge como elemento desacralizador, ilustra este aspecto, Comilones [2000]. De mayores dimensiones, realizadas en terracota, tienen un gran impacto visual La comparsa [2006] y Extraña soledad [2008]. En síntesis se puede afirmar que las desesperanzas y frus- traciones del ser humano no escapan a su obrar ya sea en propuestas de pequeño, mediano, gran formato y hasta en instalaciones. Sin dudas, sigue siendo hoy la Bienal de Cerámica, un termómetro para valorar la riqueza formal y con- ceptual del “arte del barro”. Nos hallamos ante una praxis que se revi- taliza y muestra notables síntomas de solidez y maduración.
OFICIO Y CONTENIDO EN LA CERÁMICA DE PEDRO CANTERO
El 29 de mayo fue inaugurada una exposición personal del artista
Pedro Cantero Rodríguez en el Museo Nacional de la Cerámica
Contemporánea Cubana como parte del programa colateral a
la duodécima bienal habanera. Interesantes propuestas que
Pedro Cantero Rodríguez en el Museo Nacional de la Cerámica
Contemporánea Cubana como parte del programa colateral a
la duodécima bienal habanera. Interesantes propuestas que
ponen de relieve el siempre buen hacer de quien ha encontrado
en el barro material propicio para la creación se han aunado en
esta oportunidad bajo el sugerente título La confabulación de la sed.
Tanto las propuestas evocadoras de la tradición
vasijera–jarras, porrones exhibidos ahora en una estructura de madera o
especie de ábaco- hasta otras que reflejan la renovación de esta modalidad
discursiva permiten reafirmar que nos hallamos ante el trabajo de un
artista que tiene gran dominio del oficio y una capacidad creativa
notable. Cabe destacar además que cada obra se singulariza ya sea
por la morfología con que la ha resuelto o por el lenguaje empleado.
en el barro material propicio para la creación se han aunado en
esta oportunidad bajo el sugerente título La confabulación de la sed.
Tanto las propuestas evocadoras de la tradición
vasijera–jarras, porrones exhibidos ahora en una estructura de madera o
especie de ábaco- hasta otras que reflejan la renovación de esta modalidad
discursiva permiten reafirmar que nos hallamos ante el trabajo de un
artista que tiene gran dominio del oficio y una capacidad creativa
notable. Cabe destacar además que cada obra se singulariza ya sea
por la morfología con que la ha resuelto o por el lenguaje empleado.
Otro aspecto distintivo es el hecho de que la mayoría de sus piezas no están
desprovistas de contenido. De ahí que a través de algunos rótulos y de su propia
concepción como objeto artístico intenta generar reflexiones.Así, tenemos
entonces lo que pudiéramos considerar una propuesta abstracta
identificada como Las dos mitades del vacío. Se decantó, en este caso,
por el uso del esmalte brillante hacia el exterior de la pieza y por la
superficie interior con texturas muy bien
logradas para potenciar los visuales.
desprovistas de contenido. De ahí que a través de algunos rótulos y de su propia
concepción como objeto artístico intenta generar reflexiones.Así, tenemos
entonces lo que pudiéramos considerar una propuesta abstracta
identificada como Las dos mitades del vacío. Se decantó, en este caso,
por el uso del esmalte brillante hacia el exterior de la pieza y por la
superficie interior con texturas muy bien
logradas para potenciar los visuales.
La excelente obra que da nombre a la exposición, es decir, La confabulación
de la sed ha sido privilegiada al ocupar el área central. Francamente, es
un excepcional recipiente concebido a partir de ocho elementos fragmentados.
Esta vez el esmaltemate ocupó toda la superficie que también ha
sido dibujada con pequeñas olas
que por pura asociación recuerdan aquellas de los grabados japoneses.
de la sed ha sido privilegiada al ocupar el área central. Francamente, es
un excepcional recipiente concebido a partir de ocho elementos fragmentados.
Esta vez el esmaltemate ocupó toda la superficie que también ha
sido dibujada con pequeñas olas
que por pura asociación recuerdan aquellas de los grabados japoneses.
Por su parte, apegada a la figuración se encuentra El aguador o Breve
historia de la humanidad que rebasa los límites de una
auténtica vasija porque discursa además
como propuesta escultórica portadora,a su vez, de variados mensajes.
Estos son solo ejemplos puntuales,
resta ver la muestra en su totalidad para poder corroborar
su valía. En sentido general, se espera que esta exposición
contribuya a promover y estimular el quehacer de un
autor que con personalidad muy propia ha
enriquecido el movimiento cerámico cubano.
historia de la humanidad que rebasa los límites de una
auténtica vasija porque discursa además
como propuesta escultórica portadora,a su vez, de variados mensajes.
Estos son solo ejemplos puntuales,
resta ver la muestra en su totalidad para poder corroborar
su valía. En sentido general, se espera que esta exposición
contribuya a promover y estimular el quehacer de un
autor que con personalidad muy propia ha
enriquecido el movimiento cerámico cubano.
Esculturas, proyectos para
ambientación e instalaciones
cerámicas
conforman la exposición que tiene especial acogida en el Centro
Hispanoamericano de Cultura, desde el 12 de diciembre de 2014,
a propósito de la XII edición de la Bienal de Cerámica.
conforman la exposición que tiene especial acogida en el Centro
Hispanoamericano de Cultura, desde el 12 de diciembre de 2014,
a propósito de la XII edición de la Bienal de Cerámica.
Tanto jóvenes artistas como ya
consagrados se dieron cita esta vez para
dar fe de lo mejor del arte del barro en la última década. Reflexiones múltiples
sobre la problemática humana, el contexto actual, siempre desde lenguajes
diversos y renovadores, así como con una incuestionable calidad técnica, no
escapan a la disciplina.
dar fe de lo mejor del arte del barro en la última década. Reflexiones múltiples
sobre la problemática humana, el contexto actual, siempre desde lenguajes
diversos y renovadores, así como con una incuestionable calidad técnica, no
escapan a la disciplina.
Los laureados en este certamen
fueron Ioán Carratalá Corrales
por su obra
Como hacer un avión
de la serie Cerigami (2014). Esta
propuesta marca
un nuevo lenguaje y discurso en el quehacer del autor, quien con los
un nuevo lenguaje y discurso en el quehacer del autor, quien con los
mínimos recursos
comunica trascendentes inquietudes.
Premiada fue
también Identidad
(2014) de Guillermo Ramírez
Malberti,
instalación excelentemente resuelta,
cuyo tema abordado –los
símbolos con que se identifican las nuevas generaciones– es de suma
importancia en el contexto actual.
símbolos con que se identifican las nuevas generaciones– es de suma
importancia en el contexto actual.
El proyecto para
ambientación Cubo mágico (2014) de
Lázaro Luperón
Hernández resulta
interesante en tanto aporta una
visualidad atractiva para el
espacio
público dentro del entorno citadino.
Otros
autores merecieron
–por la riqueza semántica de sus
piezas– premios
especiales. Tal es el caso de Jorge Jacas Vivanco por Contradicciones (2014).
Se trata de tres paneles que en su conjunto trasmiten esa sensación de
contradicciones disímiles sobre cuestiones polémicas.
especiales. Tal es el caso de Jorge Jacas Vivanco por Contradicciones (2014).
Se trata de tres paneles que en su conjunto trasmiten esa sensación de
contradicciones disímiles sobre cuestiones polémicas.
Destaca igualmente Vuelo del cerdo
de la serie Restaurantes de lujo (2014)
de
Dariel Lozano Pérez, presa de esa
dosis de humor,característica de la
poética
del artista y parte indispensable
de su discurso. Los jóvenes Javier
A. González
y Robin Echenique
presentaron una ingeniosa instalación
titulada
La torpeza (2014), merecedora del premio Opera Prima por el
equilibrio
mostrado entre la solución formal y el contenido.
mostrado entre la solución formal y el contenido.
La Bienal contó, a su vez, con la
muestra personal de uno de los más
versátiles y destacados creadores que
han hecho de la manifestación
un
«arte mayor». Se trata de Osmany
Betancourt, quien nos propuso
piezas en terracota y otras esmaltadas, que dialogan con el espectador
por sus desmesuradas dimensiones –en algunos casos– y por la morfología
piezas en terracota y otras esmaltadas, que dialogan con el espectador
por sus desmesuradas dimensiones –en algunos casos– y por la morfología
neoexpresionista que las distingue. Sus
personajes
muchas veces deformados,
ofrecen una visualidad para nada
complaciente
porque son fiel reflejo de
la desesperanza y
la desdicha humana.
En síntesis, es preciso decir que todas
las propuestas
quese expusieron en esta ocasión enriquecen, sobremanera, no solo
este quehacer, sino las artes visuales cubanas contemporáneas.
quese expusieron en esta ocasión enriquecen, sobremanera, no solo
este quehacer, sino las artes visuales cubanas contemporáneas.
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